Alexander von Schlippenbach - "J'ai l'âge de faire un peu le bilan".

Alexander von Schlippenbach, élève du compositeur Bernd Alois Zimmermann, a transposé avec son Globe Unity Orchestra le jeu libre au format big band d'une manière jusqu'alors insoupçonnée. Le développement permanent de son langage sonore en un amalgame de thèmes musicaux propres générés de manière non conventionnelle, de citations traditionnelles et surtout d'improvisations libres, dont l'interaction et la réunion ne sont souvent structurées que par l'image sonore de certaines combinaisons d'instruments, est un mérite d'une ampleur historique pour le jazz. En 2006, à l'occasion du 40e anniversaire de l'ensemble, Enjoy Jazz a donné un concert en marge duquel a eu lieu l'entretien suivant.  

Parlons d'abord de Globe Unity et de ses quatre décennies d'histoire. Rétrospectivement, quelles ont été les phases de développement les plus marquantes de l'ensemble ?

Alexander von Schlippenbach : Dans la première phase, c'est-à-dire de 1966 à 1970, quand nous ne jouions que des pièces de moi, il y avait un lien très fort avec Donaueschingen. il y avait par exemple un lien assez intense avec Donaueschingen. Ensuite, nous avons davantage pris en main notre propre développement. Nous avons par exemple travaillé en étroite collaboration avec nos collègues de Wuppertal, qui ont commencé à l'époque à mettre en place eux-mêmes des séries de concerts et à trouver des fonds pour cela. C'était important parce que les moyens de production étaient ainsi entre nos mains et que nous pouvions produire nous-mêmes des disques sans devoir attendre l'offre d'une maison de disques. Ce fut une étape décisive pour nous, cette indépendance nouvellement acquise vis-à-vis de la radio et du monde du disque encore très américain. le business de la musique et des médias. Cette phase a duré environ dix ans. Elle s'est terminée par la Peter Kowald, qui s'est ensuite orienté vers la musique dite du monde. s'est déplacé vers d'autres horizons. C'est aussi à cette époque que nous avons réalisé les trois disques pour ECM, qui nous ont bien sûr rendus encore plus connus.

En matière de notoriété, le Goethe-Institut a probablement joué un rôle important.

A.v.S : Oh oui. C'est devenu très important pour nous à partir du milieu des années 1970. Le directeur de l'institut Goethe à Munich, Drews, s'intéressait beaucoup au groupe et nous a littéralement envoyés à l'autre bout du monde sur une période de dix ans. Il y a eu par exemple une tournée de plusieurs semaines en Asie, ce qui n'aurait pas été envisageable dans des circonstances normales. C'est sûr que ça donne une certaine popularité.

Dans votre travail de composition pour Globe Unity, vous avez beaucoup travaillé avec les solistes. 

A.v.S. : C'est vrai. Mais il ne faut pas oublier : Nous avons choisi nos musiciens en fonction de avons toujours choisi nos musiciens en fonction de leur "utilité" spécifique pour notre musique et de leurs recommandations. Globe Unity a toujours été un ensemble de personnalités. On pourrait facilement penser que les musiciens ont été choisis d'un point de vue conceptuel, mais ce n'est pas le cas. Le concept était que nous ne voulions pas improviser de manière traditionnelle, par exemple sur les séquences d'harmonie.

Comment élaborez-vous vos idées ?

A.v.S : Peu de choses ont changé au fil des ans. On utilise en partie la notation musicale conventionnelle Parfois, des instructions de jeu sont données, qui ont plutôt un caractère sémantique. Certains signes suggèrent des mouvements spécifiques. En fait, on utilise nous utilisons vraiment tout ce qui permet aujourd'hui de noter des pensées musicales. Peut-être pas de manière strictement sérielle, comme c'est le cas dans la musique purement composée. car chez nous, l'essentiel est l'improvisation. Mais on peut aussi la contrôler ou l'organiser.

Votre dernier enregistrement de piano solo remonte à une trentaine d'années. Le nouvel enregistrement "Twelve Tone Tales" est-il pour vous personnellement une sorte de bilan ?

A.v.S. : J'ai toujours donné des concerts en solo, mais je n'ai pas enregistré. Je n'ai pas fait de concerts, c'est vrai. Sinon, je suis bien sûr à un âge où l'on fait un peu de bilan. On fait un peu le bilan. D'un autre côté, je n'ai tout simplement pas eu le temps d'enregistrer. Je Je travaillais en permanence sur différents projets. Cela a commencé avant Globe Unity avec le Manfred Schoof Quintett. Plus tard, mes propres projets sont venus s'ajouter : Globe Unity en 1966, le trio avec Evan Parker et Paul Lovens à partir de 1970, qui existe toujours, puis, depuis une quinzaine d'années, le duo avec ma femme Aki Takase, et bien sûr Monk's Casino, qui a connu un grand succès. Du coup, le jeu en solo a peut-être été un peu négligé.

Les "Twelve Tone Tales" révèlent un étrange paradoxe : plus les morceaux inspirés de la musique dodécaphonique se développent de manière logique et mathématique, comme l'indique le titre, plus la liberté de création est grande.

A.v.S : Oui, c'est une observation intéressante. Il arrive souvent que les choses que l'on considère comme libres pensent d'abord qu'elles nous fixent, nous rendent en fait libres. Parce qu'elles constituent un point de départ pour la pensée. constituent un point de départ à partir duquel on peut aller plus loin et à partir duquel on peut produire quelque chose de nouveau, comme à partir d'une cellule de base. Je me suis d'emblée donné la liberté de me soustraire parfois à l'aspect purement mathématique. La musique sérielle a peut-être un peu exagéré cet aspect, en ce sens que les compositions sont souvent issues d'un calcul purement mathématique, où tous les paramètres - hauteur, intervalle, durée, dynamique - sont calculés et déduits avec précision à partir de certains rapports numériques de la série de base. Ce n'est pas ainsi que j'ai travaillé. La référence à la musique dodécaphonique était toutefois nécessaire pour pouvoir placer un nouveau son dans l'espace sans thèmes conventionnels, au moyen d'un matériau de base clairement défini. C'est ce que j'ai essayé de faire.

Cela a donné naissance à des thèmes tout à fait proches du jazz. 

A.v.S : Oui. En ce qui concerne les séquences d'intervalles, de telles idées adaptées au jazz peuvent effectivement aussi être construites à partir de séries. Il faut bien sûr y ajouter une certaine impulsion rythmique, qui n'est propre qu'au jazz. Mais dans l'ensemble, cela donne exactement les nouvelles impulsions que je recherchais lors de l'enregistrement. De tels travaux influencent naturellement aussi le langage du piano. Ils l'élargissent presque inévitablement. Notamment d'un point de vue technique. Par exemple, j'ai trouvé des combinaisons d'accords de six notes pour les deux mains, que j'ai pu maîtriser de mieux en mieux avec le temps. Entre-temps, elles font partie de mon stock de matériel mémorisé, auquel je n'ai plus besoin de penser, mais qui est disponible à tout moment dans le jeu.

Sans une telle mémoire intermédiaire de la main, le jeu pianistique professionnel de haut niveau ne serait pas envisageable, du moins selon la neurobiologie.

A.v.S. : Oui. Je pense que c'est exactement ce qu'on appelle une bonne technique. J'ai même entendu récemment que entendu dire que la motricité fine des mains avait en outre une influence positive sur la santé. sur la santé.

La musique dodécaphonique est généralement considérée comme une musique particulièrement abstraite, ce qui est déjà un paradoxe en soi, dans la mesure où la musique est en soi un art abstrait. De ce point de vue, ce que vous jouez sur votre nouveau CD solo est-il une sorte de méta-abstraction ?

A.v.S : Comme vous le dites, la musique est toujours abstraite. De plus, je pense que lorsqu'on travaille avec de nouveaux moyens, on arrive presque inévitablement à un niveau méta. En ce sens, vous avez probablement raison. Mais je n'accorderais pas trop d'importance à ce sujet. D'autant plus qu'en musique, il s'agit en fait toujours de la même chose : transmettre une pensée musicale sous une forme tangible à un public et, le cas échéant, aux autres musiciens, indépendamment de la technique, de la notation ou du style.