We have a dream - Interview d'Eric Bibb, Harrison Kennedy et Ruthie Foster

Eric Bibb, Harrison Kennedy et Ruthie Foster ont accordé une interview dans le cadre de notre festival 2015. Bibb, Kennedy et Foster abordent, à travers leur musique, les racines du genre country blues et donc les thèmes de l'égalité et du changement social. Vous trouverez ci-dessous la version originale de l'interview. (Interview de 2015)

C'est un événement rare que trois légendes du blues contemporain se produisent ensemble dans des salles de concert allemandes. À l'occasion du 50e anniversaire de la marche sur Washington, où Martin Luther King a prononcé son discours le plus célèbre, Eric Bibb, Harrison Kennedy et Ruthie Foster, accompagnés du multi-instrumentiste canadien Michael Jerome Brown, ont composé un programme qui permet de vivre le blues comme une musique de protestation, mais surtout comme l'expression d'une attitude. Les trois musiciens chantent en alternance un mélange de leurs propres chansons et de classiques, tandis que les autres répondent de manière pointue ou écoutent la représentation en silence. C'est comme une réinvention de l'écoute mutuelle qui se déroule par moments sur scène : respectueuse, attentive, chaleureuse et toujours sincère.

Il y a parfois plus de musique dans cette écoute que dans un chant indubitablement brillant. On ne peut pas créer plus de crédibilité dans, autour et à partir de la musique. En marge du spectacle acclamé à la caserne de pompiers de Mannheim, l'occasion s'est présentée de s'entretenir avec lui.

Vous voyagez beaucoup. Pensez-vous vraiment que Le voyage fait-il partie de votre musique ?

Eric Bibb : une très grande partie, même. Je me décrirais comme une sorte de troubadour. Je tire une partie non négligeable de mon inspiration du processus de voyage. Je vis depuis longtemps en dehors des États-Unis, même si j'y retourne plusieurs fois par an. Et ce qui est fou, c'est que la distance n'a fait qu'aiguiser mon intérêt pour l'histoire du blues. Le fait de tout voir de l'extérieur, en quelque sorte, l'a rendu encore plus fascinant pour moi.

Ruthie Foster : La liberté musicale est bien plus grande en tournée qu'en studio. Le disque est toujours un produit technique qui intègre de très nombreuses réflexions et qui doit fonctionner dans de nombreux contextes, même anonymes. En tournée, le contact est beaucoup plus immédiat et je peux donner au public beaucoup plus de "the real Ruthie". En outre, le contact avec les musiciens et les auditeurs offre de manière naturelle de bien meilleures possibilités de développement : musicalement, spirituellement, personnellement, mais aussi en termes de professionnalisme et de divertissement.

Aujourd'hui encore, le blues est une sorte d'école de l'émotion. D'où vient la grande crédibilité attachée à ce genre.

EB : A mon avis, elle devrait venir de l'amour pour cette culture et pour les gens qui ont fait grandir cette musique. Sans cet amour, tu ne peux pas te sentir chez toi dans le monde du blues. On ne peut jamais considérer cette musique uniquement en surface. Il faut s'y plonger, explorer ses profondeurs historiques.

Le blues a une forte connotation sociale et politique. Mais selon mon expérience, les musiciens d'aujourd'hui sont de plus en plus apolitiques, conformément à une tendance générale.

EB : Je pense que vous avez raison sur ce point. Ce qui s'est passé, c'est que : La force de cette musique est si immense qu'elle peut être utilisée même si on ne tient pas compte de ses conditions. fonctionne encore si l'on ne tient pas compte de ses conditions authentiques. Seulement, elle peut alors facilement devenir une caricature d'elle-même. Cette musique a survécu à l'ignorance, à la mauvaise interprétation, au ténor, au racisme. En tant que forme d'art, le blues survivra à tout. Mais vous avez raison de le dire. Beaucoup de ceux qui jouent du blues aujourd'hui n'ont plus de véritable essence dans le réservoir, il n'en résulte souvent que de la fumée. Le blues a ainsi parfois pris une sorte de caractère Disney. Il donne l'impression d'être propre image de lui-même, comme un cliché. On peut soit l'accepter, soit, dans une sorte de mouvement inverse, revenir sans cesse aux racines de cette musique et se connecter intérieurement à ce que nous appelons "the real deal". Tout le reste est dommage et constitue certainement une expression de la commercialisation. Mais ce n'est pas nouveau.

Mais cela a augmenté. En tout cas, j'entends aujourd'hui dans le folk ambitieux ou le chant/l'écriture de chansons des messages de blues souvent plus contemporains que dans le blues lui-même.

EB : Je suis d'accord avec vous. C'est une question de conscience. Personnellement, j'ai l'impression que les musiciens qui évoluent dans le mouvement des auteurs-compositeurs-interprètes d'aujourd'hui sont souvent plus conscients des mots écrits, de l'histoire et de la profondeur des racines de la musique americana sous toutes ses formes. dans le blues, il est très facile de faire abstraction de tout cela parce que, comme je l'ai dit, tant de force vient de la musique elle-même. Mais pour lui rendre vraiment justice, il faut aussi aimer les livres, par exemple. Il y a tellement de bonne nouvelle littérature sur le blues, surtout au cours des deux dernières décennies. Il y a aujourd'hui de jeunes chercheurs formidables qui ont par exemple écrit de magnifiques biographies. Bien sûr, tout ce contexte, tout cet aspect social et politique, n'est pas agréable, mais sans cela, cette musique n'est pas concevable. Et puis, l'injustice est toujours présente. Partout.

Regardez autour de vous. Le racisme n'est pas vaincu. La réflexion globale sur ces circonstances concomitantes n'a malheureusement plus lieu aujourd'hui dans le blues dans la mesure où je la jugerais utile et nécessaire.

La tournée "We Have a Dream" tire son nom du célèbre discours de Martin Luther King. Parlons-nous encore du même rêve aujourd'hui ?

EB : Il s'agit en effet d'un très vieux rêve. Bien plus ancien que le discours de King. Il s'agit d'une vie qui vaut la peine d'être vécue, une vie de liberté et d'autodétermination.

Harrison Kennedy : Je me souviens encore de l'époque où, adolescent, je ne pouvais entrer dans les épiceries que par la porte de derrière. Lorsque Martin Luther King a prononcé son discours, j'avais 23 ans, et le rêve dont nous parlons est resté ancré dans mon cœur depuis. Martin Luther King ne parlait pas en premier lieu de la guerre du Vietnam, mais de l'état des États-Unis. de l'état intérieur des États-Unis. En tant qu'homme spirituel, il a tout simplement pensé à une échelle plus grande que ce que l'on pouvait imaginer à l'époque. Il n'est certainement pas faux de dire qu'il pensait dans le sens de l'humanité entière. C'est là que réside pour moi son importance jusqu'à aujourd'hui. C'est pourquoi la musique que nous jouons ici, a aussi l'ambition d'être une musique pour tous, une musique qui inclut tout le monde.

Et c'est particulièrement important à une époque où nous nous faisons mutuellement du mal, où nous faisons du mal au monde, où il est devenu si difficile d'en parler, de faire ce qui est juste : Faire preuve de compassion, de générosité, s'aider mutuellement. Et je remercie le Créateur qu'il y ait des gens qui puissent adresser de tels messages avec leur musique. Eric et Ruthie, ici à côté de moi, font par exemple partie de ces personnes.

Mais la qualité de la protestation n'a-t-elle pas changé ?

HK : Je ne pense pas que ce soit la qualité qui ait changé. Je pense que la protestation est une question de cœur, et là je ne poserais pas la question de la qualité. Je pense que c'est toujours une question de passion. La passion de vouloir changer les choses.

J'ai récemment demandé à la fille de Nina Simone ce que sa mère penserait des luttes actuelles pour la justice sociale. Elle m'a répondu que le combat était toujours le même.

HK : C'est exactement ce que je voulais dire. Sauf qu'elle était capable de le dire beaucoup plus brièvement.

Je n'ai fait que l'abréger.

HK : Oh, j'adore Nina Simone. Elle n'a vraiment pas eu la vie facile. A l'époque, elle a même été obligée de renoncer à son rêve de faire de la musique classique, uniquement à cause de sa couleur de peau. Mais je suis encore aujourd'hui totalement enthousiasmé par la manière dont elle a apporté ce sentiment classique au blues. Inégalée.

EB : Ce qui est intéressant avec des musiciens comme Nina Simone, c'est qu'ils n'étaient pas seulement des pionniers musicaux, mais qu'ils ont aussi repoussé les limites sociales par leur engagement. Il ne s'agissait pas seulement pour elle d'une déclaration musicale, c'est un signe visible de loin.

Un signe de liberté personnelle et d'indépendance, et donc un signal qui peut avoir un effet éducatif. Le message central est très simple et compréhensible pour tous : nous sommes tous des êtres humains. Nous sommes tous capables de recevoir et d'absorber des influences de partout, nous ne sommes pas condamnés à accepter les inégalités et la ségrégation. Dans un monde plein de stéréotypes, une telle déclaration a une force politique considérable.

Ce qui a permis à Nina Simone d'avoir un peu de chance à la fin de sa vie, c'est qu'elle a trouvé un monde Elle a découvert que l'être humain peut avoir plus d'une patrie, une tragique et une heureuse, pour ainsi dire.

HK : Oui, c'est une très belle idée. C'est tout à fait vrai.

EB : Et aussi intéressant sur le plan historique. La migration n'est pas un sujet nouveau. Depuis des milliers d'années, l'humanité se déplace. Le tapage que l'on fait aujourd'hui autour de l'émigration n'est pas historique. Je pense qu'il est inscrit dans notre code génétique que nous nous déplaçons, que nous errons, que nous cherchons quelque chose, y compris sur le plan spatial. dans l'espace. Chacun cherche sa place. C'est pourquoi l'attitude. Refuser l'accès à des personnes, c'est aussi faire preuve d'une telle ignorance. Et ceux qui défendent ici une ligne dure ont tout simplement oublié de consulter leur propre histoire familiale. Nous avons tous été des immigrés à un moment ou à un autre, ou nous en descendons tous. Bien sûr qu'il y a des différences. Bien sûr, ce n'est pas la même chose d'aller quelque part de son plein gré ou d'y être forcé en tant qu'esclave. Mais nous sommes tous des citoyens du monde. Certains ne veulent pas l'admettre, mais nous sommes tous des citoyens du monde.

HK : Par exemple, j'ai découvert que j'avais des ancêtres au Danemark, en Angleterre, en Écosse, en Italie, au Moyen-Orient et en Afrique. Alors à quoi bon tout ce cloisonnement. Au lieu de cela, nous ferions mieux de faire attention les uns aux autres. Nous nous en porterions tellement mieux. Et c'est faisable.

EB : Les scientifiques et les musiciens sont peut-être les plus à même d'apporter leur contribution. Je mentionne la science parce qu'elle a montré à quel point nous sommes liés les uns aux autres dans nos origines. Dans la musique, ce lien est de toute façon omniprésent. est omniprésent. Dans la recherche sur l'ethnomusicologie, on peut comprendre et faire entendre les mouvements d'émigration des gens dans la musique. La musique permet même d'en faire l'expérience de manière plus complète, plus vivante et plus précise que n'importe quel autre média.

Parce qu'il n'est pas seulement audible, mais qu'il peut être vécu ou ressenti ?

HK : Exactement. La musique est toujours une question d'émotions. L'émotion brise toute arrogance. L'émotion dépasse tout intellect. Il ne peut pas lui résister. Ce n'est pas seulement de l'émotion que provient notre force, c'est notre véritable cerveau. Nous croyons toujours que les émotions représentent le standard inférieur de la perception, alors qu'en réalité, c'est le standard supérieur.

EB : Et la musique est l'une des formes d'expression les plus fortes de l'émotion. Quand on écoute de la musique, on entend toujours la vérité.

Entretien : Volker Doberstein