"La musique est étendue et profonde" - Gary Peacock

Gary Peacock est une figure incontournable de l'histoire du jazz des 60 dernières années. 60 dernières années. Il a commencé sa carrière au milieu des années 1950 en Allemagne, où il a joué pendant son service militaire dans la région de Francfort avec, entre autres, Hans Koller, Albert Mangelsdorff et Attila Zoller - à l'époque, d'ailleurs, en tant que pianiste. De retour aux États-Unis États-Unis, il a travaillé avec des figures emblématiques du style et des innovateurs comme Ornette Coleman, Albert Ayler, Paul Bley et Miles Davis. Mais surtout, il a été ou est membre des deux pianos probablement trios de pianos les plus influents du jazz autour de Bill Evans et Keith Jarrett - et donc un lien unique dans l'histoire du jazz. Mais il a aussi fait des choses remarquables sur le plan de la composition. comme en témoigne sa dernière production. "Now this", comme on peut l'entendre. L'album, bien sûr en format trio avec piano (avec Marc Copland et Joey Baron), rassemble quelques excellents nouveaux morceaux, dont certains sont de qualité standard. Le bouddhiste pratiquant a conservé sa curiosité à 80 ans. et vient d'ajouter Michael Wollny à la liste des pianistes qu'il accompagne. La première de cette collaboration en duo a eu lieu lors du dernier Enjoy Jazz Festival à Ludwigshafen. C'est le directeur du festival, Rainer Kern, qui a personnellement mis en place cette collaboration. Peacock ne connaissait pas Wollny jusqu'alors, mais s'est montré immédiatement enthousiaste à l'idée d'une collaboration après le premier contact. Parce qu'il apprécie chez Wollny, le pianiste de jazz le plus intéressant et le plus reconnu d'Europe à l'époque, son enracinement si créatif dans la tradition musicale européenne. En se promenant ensemble à Heidelberg, ils ont eu l'occasion de s'entretenir de manière agréablement détendue et libre avec le maître bassiste américain, qui parvient toujours à rendre tous ceux avec qui il joue encore un peu meilleurs.

Remarque : cette interview a eu lieu à l'origine en 2016 et est publiée ici à l'occasion du 25e anniversaire d'Enjoy Jazz. Les déclarations et références faites dans l'interview se rapportent à cette date.

Je trouve qu'on en sait trop peu sur vous en tant que compositeur. Prenons donc l'exemple de "Gaia", le premier morceau de votre dernier CD "Now This", et parlons de la manière dont une mélodie aussi merveilleusement simple et pourtant universelle est née. est née.

GP : Même si j'essaie de retracer les étapes de développement de mes compositions, il m'est impossible de nommer une initiale. La plupart du temps, je m'assois au piano et je joue. Et puis, c'est la musique elle-même qui me répond soudain. J'entends soudain quelque chose qui me fait m'arrêter. J'arrête alors immédiatement de jouer. Pour que le motif ne m'échappe pas, change de couleur, évolue naturellement au gré du temps. C'est vraiment un processus physique : j'arrête de jouer, je me lève et je m'éloigne du piano. Je dois le faire parce que sinon, je perdrais le son intérieur. J'ai simplement besoin de ce calme pour me demander : qu'est-ce que je fais de cette idée ? Qu'est-ce qui se cache en elle ? Pourquoi m'a-t-elle saisi spontanément ? Où est sa magie ?

Cela signifie-t-il que vous passez de l'écoute à la réflexion ?

GP : Au contraire. Je ne pense pas. J'écoute. Exclusivement à l'intérieur. Dans ce cas, vers l'intérieur.

De nombreux artistes ont du mal à trouver la bonne fin dans leur travail. Comment savez-vous qu'une pièce est terminée ?

GP : C'est la musique elle-même qui vous le dit. Cela vaut bien sûr aussi pour la scène. Il suffit d'écouter. Un critique a un jour posé la question suivante à Ornette Coleman : "Ornette, vous jouez cette musique totalement improvisée, sans structure reconnaissable, pas de 32 mesures classiques, non, pas de forme à laquelle vous et les autres musiciens pourriez vous référer de manière fiable. Comment savez-vous quand un morceau est terminé ?" Ce à quoi Ornette a répondu : "Parce que c'est fini". Génial, non ? C'est bien sûr une question très intéressante dans le cas d'une musique entièrement ou largement libre. est toujours une question passionnante. Comment savoir si quelque chose est terminé ? La réponse est : on ne peut pas le savoir. On ne peut que l'entendre. Et c'est exactement ce qui m'arrive quand je compose. Le bon moment pour s'arrêter n'a pas besoin d'être trouvé. Il est là.

Mais on ne le reconnaît pas toujours.

GP : Si, si vous écoutez bien, vous le reconnaissez. Mais vous avez parlé auparavant de "Gaia". La mélodie est quand même très simple et répétitive.

C'est comme souvent. La vraie magie se trouve derrière.

LE GP : Exactement ! Nous l'entendons, mais nous ne le comprenons pas. Nous ne pouvons pas le préciser ou le mettre en mots.

Vous souvenez-vous de ce que cette mélodie a provoqué en eux ? 

LE GP : Bien sûr que oui. Mais je ne peux pas le formuler. Un sentiment musical, et c'est ce qui est grand. Ne peut pas être réduit au niveau de nos autres sentiments : Amour, hâte, peur, jalousie, etc. Par le biais de la conceptualisation, nous essayons de concrétiser quelque chose qui, de ce fait, reçoit souvent effectivement une concrétisation judicieuse dans de nombreux domaines de la vie. Dans la musique, ce n'est pas possible. On m'a déjà demandé si je n'entendais pas que telle ou telle mélodie exprimait directement l'amour. Ma réponse est : non. Ce n'est pas son essence. La musique peut être utilisée pour être utilisée, bien sûr. Il suffit de penser à la musique de film. Il s'agit alors essentiellement de musique à programme. La musique illustre ou décrit quelque chose. Mais ce n'est pas mon univers musical.

La musique ne doit pas décrire, mais être ? 

GP : Tout à fait. C'est là que réside sa qualité. - Vous savez ce que je pense ? Il n'y a que deux catégories dans la musique : L'étendue et la profondeur. L'étendue, c'est tout ce que nous pouvons apprendre, tout ce que nous pouvons transmettre, tout ce que nous pouvons analyser et comprendre. Tout ce qu'on nous enseigne dans les universités. Tout cela, c'est l'étendue. La profondeur ne s'apprend pas. Mais c'est dans la profondeur que se trouve le véritable. Lorsque les musiciens jouent ensemble, les deux aspects se déplacent toujours sur l'axe du temps. La communication est permanente à ces deux niveaux. Pouvoir jouer ensemble un standard à tout moment, c'est cela la largeur. On peut l'apprendre, le coordonner et l'organiser. Mais la profondeur ? Non, pas du tout. Pas enseignable. Pas enseignable. Mais audible. La musique, c'est l'écoute. Elle n'est pas vraiment une question de technique. J'ai joué une fois avec Miles Davis, notamment "I fall in love too easily". Nous l'avons joué cinq soirs de suite. Il commençait à chaque fois le morceau avec cette note aiguë typique (en la chantant). Pourquoi cette note ou cette phrase m'a-t-elle à chaque fois époustouflée ? Et pourquoi cela sonnait-il à chaque fois comme s'il le jouait pour la première fois ? Comment une telle chose est-elle possible ? On fait toujours la même chose et elle est toujours nouvelle ? Comment en arrive-t-on là ? Où doit-on se trouver intérieurement pour réussir une telle chose ?

J'attends avec impatience sa réponse. 

GP : Aussi. Mais comme on ne peut pas apprendre ce genre de choses, je ne peux pas non plus répondre à cette question. Du moins, pas de la manière dont nous aurions aimé y répondre. On n'est rien d'autre que ce son à ce moment-là. Tout l'être est ce son unique, qui est comme le début et la fin de tout. Ou prenez un morceau comme "All the things you are". Je ne sais pas combien de fois j'ai joué ce standard. Deux mille fois ? Certainement. D'abord, on apprend le morceau, on s'occupe des suites d'accords et ainsi de suite. Une fois que l'on s'y est familiarisé, on commence à improviser dessus et à explorer les possibilités. explorer les possibilités. Et si l'on finit par s'en lasser, c'est parce que l'on n'arrive pas à le jouer. La millième fois, c'est en fait la millième fois qu'on la joue - et non pas, comme je l'ai expliqué, la millième fois qu'on la joue. l'exemple de Miles, il est joué pour la première fois la millième fois. Et si un morceau t'ennuie, tu l'ennuies aussi. Je me demande je me dis toujours : "Ok, si le morceau ne t'a pas ennuyé la première fois que tu l'as joué, alors tu dois recommencer à l'endroit où il t'a fasciné. Reviens en arrière. Cherche le lien avec tes sentiments". Cette première fois peut alors toujours se reproduire, mais à chaque fois différemment.

Tout cela touche indirectement à la grande question du son propre, de la personnalité propre dans le jeu, et comment trouver les deux ? 

LE GP : Hum. Vous savez, je pense que c'est probablement une erreur de chercher ce "son propre". Celui qui cherche ce son finira par le construire. Je pense que ce n'est pas naturel. J'ai fait l'expérience que tout est beaucoup plus simple qu'on ne le pense : Celui qui écoute vraiment, qui écoute sans penser, qui est donc libre dans son écoute, trouvera ou sera trouvé automatiquement son son. Je vais essayer de le formuler autrement : Imaginez que vous avez un certain son. Il s'en rapproche. Mais ce que vous imaginez ne correspond pas encore complètement. Il ne vous satisfait pas, il ne vous complète pas. Alors, continuez à écouter. Ne quittez pas cette voie. Vivez votre vie. Continuez simplement à naviguer. Mais pour l'amour du ciel, n'y pensez pas. Vous tomberez inévitablement sur ce son. Curieusement, j'ai parlé une fois de ce sujet précis avec Miles et je lui ai demandé ce que je devais faire. Je me sentais mal à l'aise avec mon son et je pensais que je n'arriverais à rien. Miles m'a alors demandé depuis combien de temps j'y travaillais ? J'ai répondu que c'était peut-être quinze ans. Il m'a alors fait signe que non et a dit en substance : "Oh, ce n'est rien. Ne t'en fais pas". C'est de la pure sagesse. Ce qu'il voulait dire, c'est : ne cherche pas. Laisse ton son te trouver. Et tu le sentiras quand il t'aura trouvé. Il est toutefois important de reconnaître qu'il y a toujours un son et de se demander si c'est exactement le son que l'on veut et dans lequel on se sent à l'aise, c'est-à-dire de se demander : est-ce mon son ? Car tout passe par l'écoute. L'écoute, c'est la profondeur.

Dans leur cas, ce n'est pas seulement le son, mais surtout le positionnement dans l'interaction. Son jeu de basse est positionné très au centre et s'écoule sans cesse à partir de là, tantôt pour ouvrir, tantôt pour rassembler. 

GP : C'est probablement parce qu'en tant que bassiste, je ne me suis jamais considéré comme un soliste. Ce n'est pas l'idée que je me fais du jeu. Je me suis toujours posé la question de savoir ce que je pouvais faire pour que le soliste, qu'il soit pianiste ou souffleur. après son solo, ait le sentiment qu'il vient de avoir joué le meilleur solo de tous les temps. C'est mon travail. Il ne s'agit pas de montrer aux autres tout ce que je peux faire sur l'instrument. Mon travail est d'amener quelque chose d'autre à se démarquer. C'est tout à fait un rôle de service. Ainsi, lorsque j'écoute un autre musicien sur scène, je ne me demande pas. Qu'est-ce que je pourrais jouer maintenant ? Je me demande : qu'est-ce que l'autre veut entendre de moi ? De quoi a-t-il besoin ? Je donne une orientation.

Mais ce faisant, vous influencez, pour reprendre son exemple, le solo d'un autre pas seulement vous en êtes.

GP : Oui.

Ce n'est pas un service, c'est une possibilité. 

GP : Oui, ça aussi. Mais l'orientation que je donne vient exclusivement de l'écoute. Et je choisis ma réponse à ce que j'ai entendu, de sorte que le processus mis en route se poursuive de la manière la plus passionnante possible.

S'agit-il seulement d'écouter ou d'écouter l'avenir, c'est-à-dire d'imaginer ? 

GP : Si vous écoutez vraiment, vous ne pensez pas. Et j'écoute. Si vous écoutez, c'est comme un "oui", si vous pensez, c'est un "oui. Mais ..." ou un "oui, et ...". Avec moi, c'est toujours un "oui" pur et enthousiaste.

Ce qui nous ramène au thème de la formation. Ici, on pense bien sûr avant tout. ... 

GP : ... et ainsi manquer tout ce qui est essentiel.

Vous n'avez pas seulement étudié la musique, mais aussi la biologie. Cela vous a-t-il permis de progresser dans la musique ou dans votre compréhension de la musique ?

GP : Oui. - Mais il faut faire attention à ne pas aller trop loin dans ces rapprochements. La musique n'est pas une science. Elle ne s'accomplit pas dans la pensée. C'est le problème de l'enseignement académique en général : A l'université, on t'apprend surtout à penser. Parce que, je le répète, seule la largeur peut être enseignée. La profondeur ne l'est pas.

La profondeur est certainement aussi un grand thème dans le trio avec Keith Jarrett et Jack DeJohnette. L'alchimie très particulière de ce trio est-elle aussi liée au fait que vous êtes tous pianistes de formation ? 

LE GP : Très certainement. Mais aussi par le fait que nous ne sommes généralement pas limités à notre instrument. Keith, par exemple, a longtemps joué du piano et du violon - tous deux si bien que le choix de l'instrument sur lequel se concentrer a été très difficile. De plus, il joue vraiment bien de la trompette, du saxophone, de la guitare et de la batterie. Jack ne joue pas seulement de la batterie et du piano, mais aussi du saxophone. Nous pouvons donc tous très bien nous mettre dans des positions différentes au sein du trio. Ces influences que chacun d'entre nous apporte conduisent à un équilibre qui va bien au-delà de l'équilibre des instruments. Cela nous permet tout simplement de sentir très précisément ce que notre musique peut atteindre, ce qu'elle veut, vers quoi elle peut évoluer. Mais le plus important, c'est que nous avons tous une compréhension de la musique qui ne cherche pas à prouver quoi que ce soit. Pas le moins du monde. Nous pouvons simplement laisser la musique suivre son cours.