Erwin Ditzner - "Tout le monde sait : il a des oreilles !"

La compréhension de la batterie a plus évolué au cours des dernières décennies que celle des autres instruments. L'époque du pur time keeping est révolue depuis longtemps. Les batteurs modernes constituent de moins en moins la base, ils disposent des pierres. La réduction est donc l'une des méta-tendances. Erwin Ditzner est un défenseur particulièrement créatif de ce mouvement et un véritable connaisseur du son, à qui il suffit parfois d'un petit tambour pour construire un univers rythmique qui ouvre des espaces. Le directeur du festival Rainer Kern a trouvé et trouve toujours cela si particulier qu'il a donné à Ditzner la seule carte blanche de l'Enjoy Jazz Festival, lui laissant ainsi carte blanche pour la création d'un concert annuel du festival. C'est ainsi que plusieurs disques audiophiles avec des enregistrements live ont vu le jour, notamment un duo hautement passionnant avec le pianiste Chris Jarrett. (Interview de 2016)

Ditzner est en grande partie un autodidacte. Il a abandonné sa formation classique de batteur au bout d'un an. Son professeur d'université, avec lequel il est encore en contact aujourd'hui, a tout de suite reconnu le problème et l'a mis en évidence : ".D'une certaine manière, le classique et toi, ça ne marche pas. Parce que tu veux groover en permanence".

Néanmoins, la courte période passée au conservatoire de Wiesbaden a été utile dans la mesure où elle a par exemple fondé l'amour de Ditzner pour le petit tambour mentionné au début et, de manière générale, sa préférence pour les équipements rudimentaires ; le natif de Worms est un bricoleur de sons dans le microcosme, il est attiré par la vie intérieure des sons. C'est là qu'il recherche la différenciation et la diversité. Ce qui est presque devenu sa marque de fabrique, c'est sa méticulosité dans l'utilisation des possibilités offertes par un instrument, un profond respect pour chaque son, qui recèle une infinie variété de possibilités de formulation. Chez Ditzner, le son ne naît donc pas de l'impact de la baguette sur une peau. Il est déjà présent en tant qu'idée bien avant et sa réalisation physique n'est pas une action isolée, mais le point culminant d'une chaîne de processus, dont font également partie les espaces vides ou les sons non joués. 

L'intensité de la rythmique n'est pas générée par la technique, elle n'a pas à voir en premier lieu avec le rythme et le timing, mais est une musicalité pure ou globale. Son jeu, sans doute parfait d'un point de vue dramaturgique et, si besoin est, frappant, travaille toujours avec une sorte de résonance qui relie imperceptiblement les sons des autres joueurs. Le jeu de Ditzner est porteur, sans qu'il ait besoin d'ajouter un niveau supplémentaire. Ce qui est produit ici sur la batterie est une sorte de son atomisé. De la musique de base. Il n'y a plus d'ensemble classique ; seulement des particules qui ne communiquent pas seulement entre elles, mais avec tout ce qui constitue l'espace musical du moment. Le travail de percussion de Ditzner provient de l'écoute, pas du jeu. Cela a une histoire.

"Je me suis toujours enregistré. Tout ce que j'ai joué, je l'ai enregistré. J'ai chez moi des piles de cassettes de musique, de cassettes DAT, de fichiers. En les écoutant, j'ai souvent fait l'expérience que mes sensations sur scène avaient beaucoup moins de rapport avec l'enregistrement que je ne le pensais. Ma perception en jouant était différente de celle en écoutant. Cela m'a amené à la conclusion que j'avais sans doute tendance à en faire trop sur scène. C'est ainsi que j'en suis venu à réduire de plus en plus mon jeu. L'avantage, c'est qu'en écoutant la musique, je pouvais toujours me souvenir de ce que je ressentais en jouant. Mettre cela en perspective recèle un énorme potentiel d'apprentissage. Car beaucoup de choses que l'on trouve bonnes sur le moment ne servent finalement pas du tout la musique".

Mais comment s'approcher de l'idéal d'un jeu de batterie sans compromis avec la musique ? On peut très bien le comprendre méthodiquement en observant Ditzner sur scène.- Il est ici très pragmatique. Il dispose d'une sorte de son de base, porté par un style très particulier, que l'on pourrait même qualifier d'une certaine manière de cliché positif, tout à fait varié, mais qu'il n'utilise toujours qu'au début d'un morceau. C'est sur cette base qu'il commence maintenant à écouter. Il attend patiemment de comprendre ce que son interlocuteur veut, ce qu'il propose, quelle idée il a en tête. Une sorte de tâtonnement correspondant se met alors en place. Ditzner appuie successivement son son sur ces représentations, les vérifie et les élargit si nécessaire, et recherche intuitivement la congruence sonore. Ce processus peut se dérouler en quelques secondes ou en quelques minutes. Il exige une concentration et une empathie extrêmes. Et comme tout cela se passe en Le fait de jouer implique bien sûr du stress.

"C'est vrai", dit-il.confirme Ditzner en haussant les épaules, "mais on ne peut pas faire autrement. Du moins pour une musique qui prend le temps de se développer de manière organique dans le style d'une session. Bien sûr, cette manière de procéder n'a aucun sens lorsque je joue par exemple au théâtre. Là, on a déjà pensé à tout cela et on a réfléchi à l'avance à la manière dont les choses pourraient se développer sur scène et au rôle que je devrais et voudrais y jouer. Mais le processus est fondamentalement le même". Le batteur a fait de la nécessité une vertu. Il ne lit pas la musique. "En revanche, tout le monde sait", dit Ditzner à propos de Ditzner "il a des oreilles. Parfois, la répétition dure peut-être un peu plus longtemps. un peu plus longue, mais il en ressort souvent quelque chose de très personnel".

Ce qui n'est pas possible, c'est d'étudier les partitions une semaine avant une production et de jouer ensuite plus ou moins impeccablement à la main. Ditzner investit parfois un ou deux mois dans la préparation de grands projets. Cela peut paraître peu économique, mais il est si bien organisé au fil des ans qu'il peut assumer ce surcroît de travail. Il doit tout simplement vivre avec le matériel, le sentir autour de lui et en lui, et surtout l'écouter en permanence : à la maison, dans la voiture, dans la salle de répétition, à presque chaque occasion, jusqu'à ce que la musique soit dans sa tête et dans son corps.

"L'avantage est"dit Ditzner ".que je suis beaucoup plus consciencieux dans mon travail aujourd'hui qu'auparavant. Il y a vingt ans, je ne connaissais pas encore ce type de préparation intensive. A l'époque, il aurait été impensable, comme c'est le cas aujourd'hui, d'avoir accepté un atelier pour le mois de juillet et d'y avoir déjà réfléchi en février".

Lorsqu'on lui demande si cet effort est économiquement rentable, le batteur acquiesce en souriant et évoque son emploi du temps : "Parfois, c'est presque trop. Tout à l'heure encore, j'ai regardé s'il était possible de trouver prochainement un couloir de quinze jours sans obligations, pour simplement me mettre dans le train et ne pas être disponible". Notre entretien s'est également déroulé sous réserve qu'il doive éventuellement annuler à la dernière minute et se rendre en France pour des enregistrements.

Si Erwin Ditzner pouvait faire un vœu, il souhaiterait tout d'abord que beaucoup de choses restent telles quelles. comme c'est le cas actuellement, surtout en ce qui concerne les nombreux projets en cours.

"Mais j'aimerais avoir l'occasion, avec chacun de ces projets, de travailler trois semaines d'affilée, de partir en tournée et de laisser les choses se développer. C'est ce qui me manque dans ce business où tout va très vite : la constance, la continuité, le temps. Récemment, j'étais en tournée avec une formation germano-indienne, d'abord en Inde, puis en Allemagne. C'était totalement fascinant de voir ce qui peut se développer en très peu de temps".

Ditzner, qui a également sorti un CD solo en 2013 avec "Elements", jongle actuellement avec dix une dizaine de projets différents, du solo à la grande forme, du cabaret au jazz moderne en passant par le musette. Il s'agit toujours d'un autre jeu de batterie et, bien sûr, souvent d'un autre setting :

"Ce n'est pas le nombre de projets qui est fatigant, mais leur diversité. La semaine dernière, j'ai joué le mercredi au théâtre ou au ballet, avec un groupe de 11 musiciens et un set rock, le lendemain j'étais avec un petit set au 'Jazz am Neckar', le jour suivant le concert de sortie de Cobody, où il fallait à nouveau un son plutôt riche, sale et funky, et le lendemain un concert avec le Twintet, donc avec deux souffleurs, dans une petite salle où je faisais aussi le son pendant que je jouais. Une fois la semaine terminée, ce qui est rare, je me suis vraiment tapé sur l'épaule".

L'un des projets de CD les plus remarquables de Ditzner est le deuxième album du duo qu'il forme avec le saxophoniste Lömsch Lehmann, l'un des meilleurs dans son domaine à l'échelle européenne. Les deux se connaissent depuis environ 25 ans et forment avec Sebastian Gramms une sorte de petite famille du jazz qui se présente au public dans des constellations toujours différentes - mais curieusement presque jamais en trio. Le projet avec Lömsch est sans aucun doute un point culminant de la discographie de Ditzner et pose des jalons en matière de réduction et de fidélité sonore. 

"Nous avons réalisé ce nouveau disque en duo en supprimant tout simplement 70 pour cent de notre production", raconte Ditzner. "Il ne s'agissait pas de montrer ce qu'il était possible de faire en termes de technique de jeu. Nous nous sommes tout simplement interdit beaucoup de choses. Nous voulions un certain équilibre. Pas de pics éruptifs ni d'explosions, mais de la clarté, de la densité. Nous nous sommes totalement affranchis des attentes standardisées. Nous ne nous soucions pas non plus de savoir si la police du jazz nous laisserait passer. Tout cela a duré deux ans".

Le résultat est un album qui, dans sa retenue, a presque quelque chose de maniaque. Lorsque l'on commence avec l'intention que chaque note jouée ait une signification, on peut, en tant que musicien de jazz, soit paniquer face à la peur de manquer de notes, soit se laisser aller dans un vide qui ne nous mène peut-être pas à des sons totalement nouveaux, mais aux seuls sons justes, à un symbole d'élévation musicale. C'est pourquoi nous parlons ici de l'un des meilleurs enregistrements allemands en duo de ces dix dernières années. Le concept magistralement développé et esthétiquement très transparent d'un jeu exclusivement au service de la musique, sans vanité virtuose, est susceptible de poser des jalons. Ici, deux grands individualistes n'ont pas seulement trouvé une voix, ils ont surtout quelque chose de substantiel à dire avec elle.